Schnitte

Ein Abend zur künstlerischen Methode des Schnitts: Ulrich Gerhardt entwickelte aus Rolf Dieter Brinkmanns Textcollagen Schnitte ein Radiostück, das auf akustische Entsprechungen zielt. Katja Lange-Müller, Kathrin Röggla, Kathrin Schmidt, Katharina Schultens und Ulf Stolterfoht beziehen sich in ihren Lesungen auf diese Methode.

Dass ein Film ohne Schnitt und eine Erzählung ohne narrative Montage entstehen kann, demonstriert das Kurzfilmprogramm mit Arbeiten von Dieter Appelt, VALIE EXPORT, Jochen Kuhn, Bjørn Melhus, Marcel Odenbach u. a.

Letztmalig öffnen wir mit der Finissage die RaumKlangIntervention „5-5-5-5 cut Raimund Kummer / Daniel Ott“ – ein musikalisch-choreografisches und visuell-bildhauerisches Spiel. Die RaumKlangIntervention lädt die Besucher*innen zu räumlichen und auditiven Entdeckungen ein, im Live-Moment der Begegnungen mit den Musiker*innen, Skulpturen-Fragmenten und Videoprojektionen.

Filme

VALIE EXPORT: Mann & Frau & Animal, 1970–73 (8 Min.)

Die österreichische Künstlerin, eine der wichtigsten Vertreterinnen feministischer und medienkritischer Werke, wurde 1968 mit ihrem damaligen Partner Peter Weibel durch die Straßenaktion des Tapp- und Tastkinos bekannt, in der sie ihren nackten Busen in einem Kasten mit zwei Öffnungen zur Berührung anbot. In ihrem Film Mann & Frau & Animal setzt sie sich ironisch mit dem Kino als Projektionsraum männlicher Phantasien auseinander. Tabus wie das Onanieren mit dem Strahl der Dusche in der Badewanne, eine Vagina mit Blut, Spermen und der Zustand der Menstruation werden thematisiert und filmisch im Schnitt aus drei Teilen zusammengefügt.

„Es ist nicht erlaubt, im Fernsehen oder im kommerziellen Kino zu zeigen, wie ein Mann Samen ausstößt, man darf aber eine Geburt zeigen.“ (VALIE EXPORT im Gespräch mit Helke Sander, 1976)

Dieter Appelt: Image de la vie et de la mort, 1983 (6:35 Min.)

Man sieht Dieter Appelt, der als Opernsänger begann und als Fotograf und Aktionskünstler mit seinen rituellen Selbstinszenierungen bekannt wurde, wie er sein eigenes mit einer Gipshaut umhülltes Gesicht mit einem Faden unter der angetrockneten Schicht zu zerschneiden scheint und eine vertikale Linie und optische Zweiteilung des Körpers hinterlässt. Diese Aktion, die von Geräuschen singender Zikaden grundiert ist, assoziiert eine Häutung aus einem zu eng gewordenen Panzer. Appelts Auseinandersetzung mit Leben und Tod, die seine gesamte künstlerische Arbeit prägt, verdichtet sich in besonderer Weise in diesem Film, der auch als vertikale Fotosequenz realisiert wurde undvon  auf ein Motiv der Arbeit La cuve a l’eau zurückgeht.

Klaus vom Bruch: Das Duracellband, 1980 (12 Min.)

Der Medienkünstler Klaus vom Bruch wurde mit dem Videotape Das Schleyerband (1977/78) bekannt, in dem er einen Mitschnitt des Polizeifunks über den ersten Tag der Entführung Hanns-Martin Schleyers durch die RAF verwendete. Charakteristisch für seine Arbeitsweise ist die Aneignung von Fremdmaterial. In Duracellband führt das zu einer extremen Videocollage, bestehend aus einem Werbespot, Bildern von Nagasaki, einem amerikanischen Piloten und dem Selbstporträt Klaus vom Bruchs. Das Selbstporträt wurde während einer Aktion auf der 11. Biennale de Paris, 1980, eingeschnitten. Klaus vom Bruch bildete zusammen mit Ulrike Rosenbach und Marcel Odenbach in den 1970er Jahren die Produzentengruppe ATV.

Ulrike Rosenbach: Puzzle Solution?, 2019, Video (10 Min.)

Ulrike Rosenbach begann als Bildhauerin und arbeitet seit 1972 mit dem damals neuen Medium Video. Auch in ihrem Video Puzzle Solution? setzt sie sich kritisch mit dem Bild der gescheiterten Frau in der westlichen und bürgerlichen Tradition auseinander und greift bekannte Themen der Kulturgeschichte auf. Ausgehend von dem Romanstoff Effi Briest von Theodor Fontane werden in der Bildcollage, die die Problematik in Bild und Ton mit unterschiedlichem Film- und Fotomaterial zitiert, Gedanken, Beobachtungen und Bilder künstlerisch verarbeitet und mit filmischen Einstellungen eigener Arbeiten collagiert. Ulrike von Rosenbach bildete zusammen mit Klaus vom Bruch und Marcel Odenbach in den 1970er Jahren die Produzentengruppe ATV.

Marcel Odenbach: Wer leidet, der schneidet, Wer schneidet, der leidet, 2019 (9:30 Min.)

Marcel Odenbach verwendet in seinen Videos, Schnittvorlagen und großformatigen Papiercollagen Schnitttechniken des Aneinanderfügens von Bildern und Texten von Ereignissen aus Zeitungen und Zeitschriften und setzt sich in seinen Arbeiten mit der deutschen Geschichte des Kolonialismus, der Sklaverei und des Rassismus auseinander. Anlässlich der John-Heartfield-Ausstellung in der Akademie der Künste entwickelt er dieses Video als räumliche Montage und gibt ihr in Erweiterung des Ausspruchs von Jean-Luc Godard „Schnitt, meine schöne Sorge“ den Titel: „Wer schneidet, der leidet, Wer leidet, der schneidet.“ Hitler und Göring als Gegenbilder und ein von der Polizei auf der Straße niedergeschlagener Protest sind Momentaufnahmen der Videomontage, die mit eigenen Aufnahmen in Heartfields Sommerhaus, Text und Sound, zusammengeschnitten werden. Odenbach bearbeitet Fundstücke des Realen, u.a. durch Ausschnitte, Großaufnahmen, koppelt sie mit sogartigen Klängen, propagandistischen Wortfetzen, trennt und führt Ton UND Bild zusammen und schafft über die rhythmische Versetzung von Spiegelbildern kaleidoskopartige Panoramen. Marcel Odenbach bildete zusammen mit Klaus vom Bruch und Ulrike Rosenbach in den 1970er Jahren die Produzentengruppe ATV. 

„Mir war von Anfang an der Ton so wichtig wie das Bild. Das heißt: ich habe Bilder gesammelt und ich habe Töne gesammelt. Und irgendwann sind die Bilder zu den Tönen gekommen oder die Töne zu den Bildern. Ich habe durch Film sehr schnell verstanden, wie man durch Ton das Bild beeinflussen und manipulieren kann.“ (Marcel Odenbach)

Bjørn Melhus: FREEDOM & INDEPENDENCE, 2014 (15 Min.)

Der experimentelle Kurzfilm FREEDOM & INDEPENDENCE von Bjørn Melhus hinterfragt den gegenwärtigen globalen ideologischen Paradigmenwechsel hin zu neuen Formen des religiösen Kapitalismus, indem er Ideen und Zitate der selbsternannten objektivistischen Philosophin und Romanschriftstellerin Ayn Rand mit evangelikalen Inhalten des US-amerikanischen Mainstream-Films konfrontiert. Dieses zeitgenössische Märchen, in welchem Melhus alle Figuren selbst verkörpert, wurde teilweise in einem Berliner Leichenschauhaus und in neuen städtischen Umgebungen in Istanbul gedreht. Vor dem Hintergrund einer unergründlichen Megalopolis, in einer Geschichte, die den assoziativen Qualitäten einer Traumlogik folgt, zitieren die Protagonisten aus Konzepten des neoliberalen Elitismus und einer Mischung aus religiösen Wahnvorstellungen und Halluzinationen der Apokalypse.